На Малой сцене Детского музыкального театра имени Н. И. Сац в рамках проекта RE-Конструкция, пока основная сцена все еще закрыта, прошла премьера — показ оперы (в оригинале оперы-балета) «Галантная Европа» французского композитора конца XVII-начала XVIII века Андре Кампра в semi-stage версии Георгия Исаакяна.

 

Этот театр последние полтора десятилетия известен как один из центров старинной музыки, барокко здесь любят и уважают. Постановка сочинения Кампра — первое обращение труппы к французскому ответвлению этого направления.

Андре Кампра в нашем музыковедении изучен мало, хотя он творил в эпоху между «царствованиями» Жан-Батиста Люлли и Жан-Филиппа Рамо.

«Галантная Европа», поставленная в 1697 году в Королевской музыкальной академии, стала оперным первенцем композитора и, пожалуй, самым известным его произведением, которым восхищался сам «король-солнце» Людовик XIV.

С завершением эпохи барокко интерес к сочинению угас и возник снова лишь после Второй мировой войны.

Впервые «Галантная Европа» в России (вернее, в СССР) появилась в 1985 году в Театре старинной музыки при МГУ (режиссер — Михаил Коробов); в 2008 году было возобновление этого спектакля.

Исполняли оперу и в 2001-м на фестивале «Московское действо» в Останкинском театре: тогда ее подготовила Коллегия старинной музыки Московской консерватории под управлением Олега Чернышева.

Новая трактовка — спектакль Георгия Исаакяна получил название «Похищение Европы», что не совсем согласовывается с содержанием произведения и сделано, видимо, для привлечения внимания публики.

Сочинение подверглось значительному сокращению: вместо положенных двух с небольшим часов оно звучит примерно час десять, многие сцены и некоторые персонажи купированы, а четвертая часть, «Турция», исчезла полностью.

Сюжет оперы связан не персонажами, но темой: спором аллегорических героев в прологе и эпилоге, Венеры и Раздора, о том, что главенствует в мире: любовь или распря?

«Галантную Европу» можно назвать новаторским творением для конца XVII столетия, ведь его персонажи в основном не олимпийские боги, а обычные люди — современники зрителей, существующие в узнаваемых жизненных обстоятельствах.

Влюбленные пары из разных стран и культур представляют различные перипетии любви и связанные с нею радости и беды.

Как пишут в предуведомлении к партитуре Кампра и либреттист Антуан Удар де ла Мотт, «мы выбрали страны Европы, чьи характеры более контрастны и обещают больше возможностей для театра, — Францию, Испанию, Италию: французы изображены непостоянными, нескромными и кокетливыми; испанцы — верными и романтичными; итальянцы же — ревнивыми, утонченными и неистовыми».

Первую нацию представляют пастушки Сефиз и Дорис, влюбленные в Сильвандра (в спектакле Исаакяна этот герой отсутствует) и каждая по-своему страдает из-за этого.

Вторая картина рассказывает об испанских кавалерах Дон Педро и Дон Карлосе, которые воспевают таинственную возлюбленную и спорят, чьи чувства к ней сильнее.

В третьей части — история о темпераментных итальянцах, примадонне Teatro Goldoni Олимпии и ее любовнике Октавио, который ревнует ее к незнакомцу.

Semi-stage версия Георгия Исаакяна сочетает в себе приметы полноценного спектакля и концертного исполнения. В центре сцены — оркестр, у стены — хор, а по краям — вокалисты, которые хоть изредка и смотрят в ноты, но по большей части взаимодействуют друг с другом и играют.

Режиссер сделал художественный перевод сложного поэтического текста де ла Мотта со старофранцузского языка на русский: во время постановки он транслируется на экранах по краям сцены.

Создавать костюмы специально ради двух показов не стали, а взяли наряды из подбора: несмотря на их стилистическое разнообразие, условным барочно-классическим временам они более-менее соответствуют.

В качестве декораций — фрагменты известных полотен о «Похищении Европы», работы на галантную тематику различных живописцев, плюс реальные фотопейзажи Франции, Италии и Испании. Вся эта подборка, за которую отвечали Мария Фомичева и Екатерина Мазухина, демонстрируется на кругленьком экранчике над головами артистов. Но оформление носит второстепенное значение — в первую очередь хочется наблюдать за певцами и наслаждаться великолепной музыкой Кампра.

В звучании оркестра театра под управлением Артема Макарова она воспринимается именно так. Изысканность, пасторальность арий и хоров у представителей Франции, загадочность, томность ночных испанских сцен, темпераментность итальянской форланы и чувственность арии Олимпии, античная величественность пролога и эпилога, где Раздор и Венера утверждают противоположные истины, — каждой картине композитор придал остро индивидуальные черты, которые коллектив Театра Сац элегантно подчеркивает.

Артему Макарову удается собрать эту разномастность музыкальных характеристик в единую концептуальную историю, представив оперу Кампра как серию галантных картин на ту или иную национальную тематику.

Состав оркестра на этот раз пополнился гостями: артисткой Московской филармонии, исполнительницей на лютне и итальянской барочной гитаре Анной Тончевой, исполнителем на архилютне и французской барочной гитаре Андреем Чернышовым. А за клавесином и органом-мануалом — концертмейстер Театра Сац Дарья Смирнова.

Вместо обычных флейт задействованы блок-флейты (Софья Сергеева, Николай Донской), которые своим специфическим звучанием уводят в старину. А разнообразие ударных (Илья Кирилличев) поистине велико: тамбурин, бубен, колокольчики, трещотки, маракасы, кастаньеты.

Несмотря на включение аутентичных инструментов, дирижер Артем Макаров говорит, что перед ним не стояло задачи сделать исторически информированную интерпретацию. «В партитуре Кампра — только пять или шесть строчек для струнных, все остальное пришлось придумывать на свой вкус. Например, группа ударных в эпоху барокко вообще не выписывалась композиторами в партитуре, они добавлялись непосредственно во время подготовки самого спектакля. Поэтому у нас было большое поле для импровизации и собственного подхода к этой музыке», — объясняет он.

Замечательна работа хора (хормейстеры — Ксения Кулакова и Дмитрий Брашовян): он щедро рассыпает в исполнении тонкие вокальные краски.

Спектакль запоминается высоким уровнем отделки женских ролей, тогда как пению Максима Дорофеева (Дон Педро), Владислава Дорожкина (Дон Карлос), Петра Сизова (Октавио) не хватает стилистической чуткости.

Образы изнеженных, сентиментальных пастушек, словно сошедших с полотен Ватто и Буше, изысканно представляют чарующая лирическая сопрано Ирина Большакова (Сефиз) и трепетная, волнующая, нежная меццо Анна Холмовская (Дорис).

Артистической свободой и роскошным звучанием по всему диапазону впечатляет Дарья Хозиева; кроме арии из оперы Кампра, она здесь исполняет арию Альцины из одноименного сочинения Генделя на итальянском языке, ведь ее героиня — Олимпия — примадонна Teatro Goldoni.

Чудный дуэт двух Граций — Алины Виленкиной и Василисы Шаплыко — радует сочетанием красивых голосов: чувственного меццо и воздушного сопрано.

Мария Деева предстает строгой, величественной богиней света и любви, Венерой, а в роли Раздора — характерная Юлия Макарьянц, напоминающая пусть и в роскошном наряде, с короной на голове, ведьму. Эти артистки также демонстрируют ажурную легкость вокализации.

В конце оперы Венера, сонм Граций и Наслаждений поют оду Амуру и разлетаются по всему миру, чтобы умножить его славу. В спектакле Театра Сац нет прямой визуальной иллюстрации этих событий, но есть другое — истинная любовь к своему делу и к хорошей редкой музыке. Здесь знают, как впечатлить искушенных слушателей.

 

Автор фото — Елена Лапина