В Москве, в Большом зале Московской консерватории прошёл VIII Международный фестиваль Мстислава Ростроповича. По традиции он открылся в день рождения маэстро – 27 марта.
Фото: Александр Куров
Первым на фестивале выступил заслуженный коллектив России – Академический симфонический оркестр Санкт-Петербургской филармонии им. Д. Д. Шостаковича п/р Юрия Темирканова. В последние несколько лет оркестр приезжает в столицу всего один раз в год, именно на фестиваль Мстислава Ростроповича, и всегда устраивает подлинный музыкальный праздник. Не был исключением приезд оркестра Темирканова и в этом году.
В первом отделении прозвучала Вторая симфония финского композитора Яна Сибелиуса. Его перу принадлежат семь симфоний, которые занимают главное место в творческом наследии композитора. Вторая симфония самая масштабная из них. Оркестр сыграл её как монументальное героико-эпическое сочинение, раскрыв главную для Сибелиуса тему родины в напряженно сменяющихся образах – трагической борьбы, северной романтики и богатырского величия. Восхищали струнные своей проникновенностью и затаенностью, на их фоне духовые выпевали глубокую скорбь. Стремительно пронеслась третья часть – скерцо, дважды прерывавшееся лирическим интермеццо гобоя красивого, явно фольклорного наполнения. В финале сумрачное ре минор уступило место блистательному ре мажору, и симфония завершилась патетическим апофеозом под бурные аплодисменты слушателей.
Второе отделение было отдано музыке Мориса Равеля. Сначала изящно и изысканно были сыграны пять детских пьес для симфонического оркестра «Моя Матушка-Гусыня». Их одинокий Равель написал для детей близких друзей, которых любил как родных. Для этого цикла композитор использовал детскую литературу конца XVII – начала XVIII вв. и музыку стиля рококо с разными солирующими инструментами. Начала цикл «Павана красавице, спящей в лесу» с поющей убаюкивающей флейтой. Это, скорее, колыбельная, чем танец, но прозвучало очень красиво. В пьесе «Мальчик-с-пальчик» мерное движение засурдиненных скрипок рисовало бесконечное блуждание героя в поисках дороги, а в глиссандо и трелях трёх солирующих скрипок слышался щебет птиц и взмахи их крыльев. «Дурнушка – императрица пагод» была отмечена китайским колоритом со звоном колокольчиков и звучанием детских музыкальных инструментов. В «Диалогах Красавицы и Чудовища» Красавица представлена кларнетом, играющим изящную тему, а Чудовище – неуклюжим контрафаготом. Завязывается диалог, который становится всё более пылким. Краткая пауза. Затем слышатся аккорды арфы и перезвон колокольчиков. Свершается чудесное превращение Чудовища в Принца. «Волшебный сад» – медленный финал цикла в форме сарабанды – с участием струнных, челесты, колокольчиков, треугольника и тарелок становится гимном волшебной сказке, светлой, доброй и прекрасной…
В конце вечера прозвучал Вальс Равеля – хореографическая поэма для симфонического оркестра, сыгранная оркестром с постоянным нагнетанием драматизма. Упоение танцем перерастало в исступление, темы трансформировались, начинали звучать гротесково. Завершение Вальса было трагическим – словно срыв в бездну.
Слушатели не отпустили петербургских гостей без биса. Им стал фрагмент из балета Прокофьева «Золушка». Но и на этом концерт не закончился. На сцену вместе с Юрием Темиркановым вышел ректор Московской консерватории Александр Соколов. Он торжественно посвятил маэстро в почётные профессора Московской консерватории. Звание значимое и весьма редкое: всего пятнадцать человек стали почётными профессорами за стопятидесятилетнюю историю Московской консерватории. Соколов вручил Юрию Хатуевичу диплом и мантию и рассказал о его благородном поступке. Известно, что Юрий Темирканов выступает в России только со своим оркестром. В сентябре прошлого года в Большом зале консерватории проходил фестиваль, посвящённый юбилею консерватории. Все приглашённые дирижёры выступали только с местными оркестрами. Юрий Хатуевич с пониманием отнёсся к этому условию и дал согласие выступить со студенческим оркестром. Он, готовя программу, несколько дней репетировал со студентами. И эти репетиции остались в памяти всех, кто работал и выступал с великим дирижёром.
Одним из центральных событий фестиваля стали выступления в Москве и Петербурге Вашингтонского национального симфонического оркестра. Коллектив был основан в 1931 году. Более тридцати лет его площадкой является Центр исполнительских искусств им. Джона Кеннеди – там ежегодно проводятся абонементные концерты. Оркестр участвует в важнейших государственных мероприятиях на территории США и за рубежом, выступает на инаугурации президента и прочих официальных торжествах.
Фото: Александр Куров
Участие Вашингтонского оркестра в фестивале имеет особое значение – с этим коллективом связан большой период творческой биографии Мстислава Ростроповича: с 1977 по 1994 год он был его главным дирижёром и художественным руководителем. Эти годы получили название «Эпоха Ростроповича». Они были насыщены гастролями по Северной и Южной Америке, Европе, Азии. Их венцом стал приезд оркестра в Россию. Национальный симфонический оркестр под управлением маэстро впервые выступил на Красной площади в сентябре 1993 г. Коллектив, руководимый Мстиславом Ростроповичем, не просто стал одним из ведущих американских оркестров, а занял достойное место на мировом музыкальном олимпе.
Накануне концертов в Москве в ТАСС прошла встреча журналистов с представителями Вашингтонского оркестра. О Мстиславе Леопольдовиче с большой теплотой и благодарностью вспоминали президент Центра исполнительских искусств им. Джона Кеннеди Дебора Раттер и музыканты оркестра. Дебора Раттер рассказывала о том, как в годы учёбы (она стала скрипачкой) посещала репетиции оркестра и его концерты, как Ростропович щедро делился своим талантом виолончелиста и дирижёра с музыкантами и слушателями: «Для меня это было большим опытом и радостью». Особенно восторженно о Ростроповиче, о его удивительном человеческом и музыкантском обаянии, о музыкальной одержимости, тщательнейшей работе над звуком и выразительностью говорил альтист Уильям Фостер, который все семнадцать лет, когда Мстислав Леопольдович возглавлял НСО, работал в оркестре: «Он познакомил наш оркестр с лучшими произведениями русских и современных российских композиторов. Мы полюбили и много играли Чайковского, Шостаковича, Прокофьева… Я уже успел сходить на Красную площадь и вспомнить, как мы выступали с концертом в 1993 году, как играли Торжественную увертюру Чайковского »1812» и финал кантаты Прокофьева »Александр Невский». Велик вклад Мстислава Ростроповича в историю нашего оркестра. Мы до сих пор – оркестр Ростроповича, и в нём живет его дух. Нас при входе в Центр встречает большой портрет Маэстро».
Фото: Александр Гайдук
Ныне Вашингтонский оркестр возглавляет Кристоф Эшенбах (он же главный дирижёр Центра исполнительских искусств им. Д. Кеннеди). Сезон 2016–2017 станет седьмым и последним п/р Эшенбаха. В 2016 главным дирижёром НСО назначен итальянец Джанандреа Нозеда, который заступит на этот пост в следующем сезоне.
Вашингтонский оркестр привёз две программы, в которые вошли и произведения Дмитрия Шостаковича, как утверждали музыканты, сделанные с Ростроповичем. Все три вечера в Москве и Петербурге открывала пьеса американского композитора Тобиаса Пиккера Old and Lost Rivers, рассказывающая о разливающейся и исчезающей водной стихии.
В концертах участвовала талантливая виолончелистка Алиса Вайлерштайн, молодая, но уже с мировым именем, выступающая на крупнейших фестивалях Америки и Европы. Она взяла на себя ответственнейшую задачу исполнить Первый концерт для виолончели с оркестром Д. Шостаковича. Он был написан в 1959 году и посвящён молодому виолончелисту Мстиславу Ростроповичу, который впоследствии блистательно исполнял его не только в Петербурге и Москве, но и по всему миру, прославляя творчество гениального Шостаковича. После концерта Алиса Вайлерштайн дала краткое интервью корреспонденту телеканала «Культура», в котором она сказала, что обратилась к этому концерту в пятнадцать лет и работала над ним под руководством Мстислава Ростроповича. Виолончелистка, бесспорно, музыкальна и виртуозна, у нее очень красивый звук. Но со временем, очевидно, ушёл психологический подтекст музыки Шостаковича, оставив только красоту звука и виртуозность. Значительно интересней и глубже получился у исполнительницы Виолончельный концерт Эдуарда Элгара. К красивому звуку она добавила и смены настроений. Одиночество героя сменялось в его жизни светлыми и спокойными картинами сельской жизни. Но счастье было кратко, опять вернулись одиночество и пустота.
Алиса Вайлерштайн (виолончель). Фото: Александр Гайдук
Замечательно сыграл оркестр Восьмую симфонию Дмитрия Шостаковича, самую трагическую в творчестве композитора. Она создавалась в тяжелейшем военном 1943 году и вобрала в себя все народные страдания. Маэстро Эшенбаху и его оркестру удалось проникнуть в глубинную суть народной трагедии и выплеснуть на слушателей беспощадную правду и обнажённые чувства композитора. Своей эмоциональностью музыканты ярко высветили кульминационные моменты симфонии: плач о погибших, зловещий военный марш-скерцо, величественную и скорбную пассакалью, после которой постепенно началось просветление, будто после кошмарной ночи забрезжил рассвет. Потрясённые слушатели отпустили артистов только после того, как Эйшенбах вернул их к действительности, сыграв в светлом ключе Вальс Яна Сибелиуса.
Необычным было закрытие фестиваля, на котором впервые в России выступили японские коллективы: оркестр «Йокогама симфониетта» под управлением Казуки Ямады и Филармонический хор Токио (хормейстер Юичи Токунага). В первом отделении они исполнили Маленькую сюиту Клода Дебюсси в четырёх частях, а затем Реквием Габриэля Форе. Реквием Форе, написанный в 1888 году, имеет три редакции, сделанных самим композитором. Последняя, для большого оркестра и большого хора, органа и двух солистов, относится к 1900 году и чаще всего и исполняется. Её и привезли японцы. Реквием Форе резко отличается от других заупокойных месс тем, что уводит нас от страха смерти в царство чуткой ясности и совершенного счастья. Композитор исключил самую жестокую и трагическую часть, Dies Irae («День гнева»), и закончил сочинение картиной покоя и умиротворения. В этом ключе и представил нам Реквием Форе дирижёр Казуки Ямада. Профессиональна была органистка Мотоко Муроцуми. Очень порадовали солисты: баритон Родион Погосов и французская сопрано Женни Давье.
Фото: Александр Куров
Родион Погосов – российский певец, ученик известнейшего педагога Дмитрия Вдовина, сделал успешную международную карьеру, которая началась в 2000 году с его в участия в Программе молодых певцов в Метрополитен-опера в Нью-Йорке. Он довольно редко появляется в России, а жаль. Его соло в Libera me («Освободи меня, Господи, от вечной смерти») доставило наслаждение красивым насыщенным баритоном, выразительной кантиленой и подлинной культурой пения. Интересы Женни Давье относятся как к классической, так и современной музыке. Она много поёт в операх Моцарта и итальянцев Верди, Пуччини, Россини. Знаком ей и Реквием Форе. Она покорила слушателей в финале своего соло Pie Jesus («Милостивый Господь Иисус») тончайшим piano. Закончилось первое отделение очаровательным бисом токийского хора, исполнившим сочинение Тору Такэмицу «Маленькое небо».
Фото: Александр Куров
Во втором отделении к японским коллективам присоединились музыканты Госоркестра им. Евг. Светланова и артисты Хоровой капеллы России им. А. Юрлова (худрук Г. Дмитряк). Вместе они исполнили произведения Равеля: первую и вторую сюиты из балета «Дафнис и Хлоя»и знаменитое «Болеро». Дирижёр Казуки Ямада, увлечённый ритмом и громкостью ударных инструментов, превратил «Болеро» в безумную вакханалию грохота, что, как ни странно, понравилось основной массе публики, которая обрушила на исполнителей столь же неистовые овации.
Все права защищены. Копирование запрещено
Пока нет комментариев